Empezamos con el primer clásico del género, La calle 42, que alcanzó el cuarto puesto en la lista de las películas más populares de su año de estreno, 1933. El éxito comercial de este largometraje, que había costado 439 000 dólares y recaudó en todo el mundo más de millón y medio de dólares, no solo facilitó a su productora, Warner Bros., escapar de la situación de bancarrota a la que parecía abocado el estudio, sino que además estableció claramente el género musical como uno de los favoritos del público, algo que se mantendría durante varias décadas, haciendo de este uno de los muros de carga esenciales en el edificio económico del sistema de estudios de Hollywood. Se asomó al reparto la que iba a ser una de las estrellas más rutilantes del cine musical, Ginger Rogers, coprotagonista de la segunda película de la selección, Sombrero de copa, junto con Fred Astaire. Él fue el primer astro del género.
Continuamos el recorrido con Un día en Nueva York, una de las primeras películas que rompió la fórmula de rodaje en estudio de musicales para salir a las calles de la ciudad que le da título y rodar allí durante cinco días escenas en exteriores que fueron todo un reto porque no los acompañó el clima –estuvo lloviendo la mayor parte del tiempo–, y además multitudes de curiosos se aglomeraban en las cercanías de las localizaciones para ver al popular Frank Sinatra, que era ya una estrella de la música, aunque estaba en ese momento prácticamente comenzando sus primeros papeles de peso en la pantalla grande. El mismo tándem tras las cámaras, Stanley Donen y Gene Kelly, se reencontró tres años más tarde para rodar uno de los clásicos indiscutibles del género, Cantando bajo la lluvia, concebida por el productor jefe de la unidad de musicales de Metro Goldwyn Mayer, Arthur Freed, como un medio para sacar partido al catálogo de temas musicales compuestos por Nacio Herb Brown para películas del estudio entre 1929 y 1939.
Siete novias para siete hermanos, otro clásico del género, era una Cenicienta considerada por su productora de segunda fila, pero fue uno de los mayores éxitos del género que se rodó en 48 días. Iba a titularse inicialmente Las sabinas y más tarde Una novia para siete hermanos, título este último al que se opuso seriamente la censura por sus implicaciones en doble lectura.
Adaptación del musical estrenado en Broadway en 1957, que fue nominado a varios premios Emmy, West Side Story es en lo referido a premios la campeona entre las películas del cine musical, con diez Oscar y tres Globos de Oro. Le sigue la pista en premios, ocho Oscar y tres Globos de Oro My Fair Lady, que adapta al cine el musical de Lerner y Loewe estrenado en Broadway en 1956, que a su vez se basaba en la obra teatral Pygmalion, de George Bernard Shaw, estrenada en 1913. Otra campeona en reparto de premios es Sonrisas y lágrimas, icónico canto a las alegrías y penas de las familias numerosas que cosechó cinco estatuillas de la Academia de Hollywood.
Completan nuestra selección de musicales imprescindibles dos aportaciones del renovador del género, Bob Fosse, con Cabaret y All That Jazz, la taquillera Grease, de la que se estrena ahora en los escenarios españoles su enésimo montaje teatral, y la innovadora y reivindicativa Hair.
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LA CALLE 42
42nd Street
1933; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Lloyd Bacon; Guion: Rian James, James Seymour, Bradford Ropes, Whitney Bolton; Música: Harry Warren; Fotografía: Sol Polito; Intérpretes: Warner Baxter, Bebe Daniels, George Brent, Dick Powell, Ruby Keeler, Guy Kibbee, Ginger Rogers, Ned Sparks, Allen Jenkins, Edward J. Nugent, Robert McWade, George E. Stone, Loretta Andrews, Joan Barclay; Duración: 89 minutos.
Busby Berkeley se convierte merced a esta película en el primer nombre esencial del cine musical en Hollywood, aunque no figure como su director. El motivo radica en que fue el creador de los números musicales y de baile, que eran al mismo tiempo espectaculares y sobre todo explotaban las posibilidades del cine frente a los espectáculos musicales sobre los escenarios, configurando un nuevo lenguaje en el género para su explotación audiovisual. Todo el poder de la cámara y de las grúas empieza a brillar en las coreografías pensadas por Berkeley para este largometraje que rápidamente se constituyó en ejemplo que seguir por los encargados de desarrollar el cine musical en la pantalla grande. El despliegue de las bailarinas formando figuras con planos cenitales, en contrapicado o en el doble movimiento del baile y las plataformas deslizantes que convierten algunos números en ejercicio casi circense, demostró que el cine musical podía llevar al espectador hasta lugares a los que no podía llevarlo el teatro musical, por espectacular y aparatosa que fuera la representación sobre los escenarios.
Se empieza a plantar aquí también la semilla de muchas de las fórmulas, características, rutinas y recursos que van a ponerse al servicio del musical cinematográfico, comenzando por el argumento del espectáculo que preparan los personajes en la ficción de la película, permitiendo además así que los espectadores puedan ir al otro lado del escenario para recorrer los lugares que no les son desvelados en su asistencia a los espectáculos de teatro musical.
Tal fue la eficacia de Berkeley en este largometraje que fue contratado rápidamente por el estudio después de finalizar el rodaje con mejores condiciones del contrato de pago por semana al que estaba sometido hasta ese momento.
M J P.
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SOMBRERO DE COPA
Top Hat
1935; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Mark Sandrich; Guion: Dwight Taylor, Allan Scott, Ben Holmes, Károly Nóti, Ralph Spence; Música: Irving Berlin; Fotografía: David Abel; Intérpretes: Fred Astaire, Ginger Rogers, Edward Everett Horton, Erik Rhodes, Eric Blore, Helen Broderick, Robert Adair, Lucille Ball, William A. Boardway; Duración: 101 minutos.
Nominada a cuatro Oscar en las categorías de mejor película, dirección artística, dirección de danza –en manos de Hermes Pan, un clásico del género musical en el Hollywood dorado al que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas reconoció en este caso por su trabajo en los números “Piccolino” y “Top Hat”–, y mejor canción original, “Cheek to Cheek”, de Irving Berlin, esta película basada en una obra de Aladar Laszlo y Sándor Faragó, es un buen resumen y el título más destacado precisamente por esos números, del ciclo de películas protagonizado por Fred Astaire y Ginger Rogers.
Presupuestada en 609 000 dólares Sombrero de copa recaudó en todo el mundo 3 200 000 dólares, y contiene todas las rutinas de comedia musical que acompañaron a sus dos protagonistas en sus películas juntos y se mantuvieron en las asociaciones de Astaire con otras estrellas femeninas como Cyd Charisse o Rita Hayworth.
Destaca el tratamiento claramente falseado de los decorados que rinde homenaje al pacto entre espectadores y propuesta creativa de los escenarios de Broadway, en los que el musical propone referentes visuales llamados a evocar, nunca a intentar reproducir con fidelidad, lugares, en un trabajo que completa el propio espectador con su imaginación, aceptando el carácter simbólico de las trucadas localizaciones. Es en esa misma línea una perfecta muestra del musical rodado en interiores, en estudio, y acude argumentalmente a la premisa de los personajes de ficción que están montando un espectáculo para ganarle puntos de verosimilitud frente al público. Domina el desdoblamiento habitual presentado en los personajes del musical, que muestran hasta tres caras: la estrella real, Astaire, su personaje en la ficción, Jerry Travers, bailarín estadounidense que llega a Londres para protagonizar un nuevo espectáculo, y el personaje de ficción dentro de la ficción de dicho espectáculo.
M J P.
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UN DIA EN NUEVA YORK
On the Town
1949; EE. UU.; Color; Director: Stanley Donen, Gene Kelly; Guion: Adolph Green, Betty Condom, Jerome Robbins; Música: Leonard Bernstein, Roger Edens, Lennie Hayton; Fotografía: Harold Rosson; Intérpretes: Frank Sinatra, Gene Kelly, Betty Garrett, Ann Miller, Jules Munshin, Vera-Ellen, Florence Bates, Alice Pearce, Murray Alperl, Bea Benaderet, Gladys Blake, Eugene Borden; Duración: 98 minutos.
Gabey, Chip y Ozzie son tres marineros de la armada que deciden aprovechar su permiso de 24 horas en la ciudad de Nueva York para encontrar compañía femenina. Presupuestada en 2 111 250 dólares, recaudó 4 428 000, y además ocupa el puesto número 19 en la lista de los mejores musicales del American Film Institute. Ganó el Oscar a la mejor música para una película musical y fue nominada al Globo de Oro en la categoría de mejor fotografía en color.
La película era la adaptación de un musical de Broadway del mismo título que fue modificada en su guion y en su banda sonora para su traslado a la pantalla grande, de modo que buena parte de las composiciones de Leonard Bernstein para la versión de los escenarios fue sustituida por varios temas nuevos compuestos por Roger Edens, quien consideraba que las composiciones de su colega eran demasiado elaboradas para el gusto de los espectadores cinematográficos de la época. Tal como era previsible, eso hizo que Bernstein se manifestara en contra de la versión cinematográfica, a la que consideraba inferior al montaje de Broadway, aunque su tema “New York, New York” ha quedado como uno de los iconos del género musical en el cine.
Donen debutaba como director, pero Gene Kelly ejerció al mismo tiempo como codirector y coreógrafo de la versión cinematográfica, operando bajo el paraguas de la unidad de producción de musicales dirigida en el seno del estudio MGM por Arthur Freed, nombre esencial del género en la era dorada hollywoodiense. Fue precisamente Kelly el que se empeñó en innovar saliendo de los estudios para rodar en localizaciones reales en la gran ciudad, lo que fue todo un fenómeno en el momento de su estreno.
M J P.
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CANTANDO BAJO LA LLUVIA
Singin’in the Rain
1952; EE. UU.; Color; Director: Stanley Donen, Gene Kelly; Guion: Betty Comdem, Adolph Green; Música: Nacio Herb Brown, Arthur Freed; Fotografía: Harold Rosson; Intérpretes: Gene Kelly, Donald O’Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell, Cyd Charisse, Douglas Fowley, Rita Moreno, Dawn Addams, John Albright, Betty Allen, Bette Arlen, Marie Ardell, Mary Bayles; Duración: 103 minutos.
Nominada al Oscar en las categorías de mejor música para comedia musical y mejor actriz en papel de reparto, Jean Hagen, que recreó en modo de tragicomedia la experiencia de las estrellas del cine mudo cuya voz no encajaba con su imagen cinematográfica y por ello se encontraron en una situación profesional muy complicada cuando las películas sonoras se convirtieron en el canon de las producciones de Hollywood. Ganó además el Globo de Oro al mejor actor de comedia o musical, para Donald O’Connor, y fue nominada en esos galardones en la categoría de mejor película de comedia o musical, que no llegó a ganar porque se lo dieron, inexplicablemente, a una película claramente inferior, Con una canción en mi corazón, protagonizada por Susan Hayward. Presupuestada en 2 540 000 dólares, cuenta con un total de 7 200 000 dólares de recaudación, convirtiéndose en uno de los musicales más recordados de todo el género y entrando en 1989 en la lista de las primeras 25 películas seleccionadas por la Librería del Congreso de Estados Unidos y en la lista de la revista Sight and Sound dedicada en 2012 a fijar las 50 mejores películas de todos los tiempos, ocupando el lugar número 20.
El rodaje fue una pesadilla para los tres protagonistas, sometidos a las exigencias del director, coreógrafo y principal estrella de la película, Gene Kelly, que fue especialmente exigente y detallista con Debbie Reynolds, a quien llegó a hacer sangrar sus pies cuando rodaron el número “Good Morning”, y que vio luego cómo Kelly despreciaba su esforzado trabajo de baile para doblar el sonido en estudio. Tampoco lo pasó nada bien Donald O’Connor bajo la tiránica dirección de su compañero de reparto.
M J P.
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SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS
Seven Brides for Seven Brothers
1954; EE. UU.; Color; Director: Stanley Donen; Guion: Albert Hackett, Frances Goodrich, Dorothy Kingsley; Música: George J. Folsey; Fotografía: George J. Folsey; Intérpretes: Howard Keel, Jane Powell, Jeff Richards, Russ Tamblyn, Tommy Rall, Marc Platt, Jacques D’Amboise, Matt Mattox, Julie Newmar, Nancy Kilgas, Betty Carr, Virginia Gibson, Ruta Lee, Norma Doggett, Howard Petrie, Ian Wolfe, Earl Barton , Dante Di Paolo, Kelly Brown, Matt Moore, Russell Simpson, Ann Baker; Duración: 102 minutos.
Basada en el rapto de las sabinas de la antigua Roma, retomado en la historia corta escrita por Stephen Vincent Bennet, se ambienta en Oregón en el año 1850, donde un grupo de hermanos leñadores se empeñan en encontrar compañera sentimental a toda costa después de que su hermano mayor se case y lleve a la casa que todos comparten a su esposa. Ganó el Oscar a la mejor música para película musical, siendo nominada en las categorías de mejor película, guion, fotografía en color –con el sistema Ansco Color para el formato cinemascope–, y montaje, y Jeff Richards fue galardonado con el premio al mejor actor revelación del año. Fue presupuestada en 2 540 000 dólares, recaudando 9 403 000 dólares. Además, su éxito propició que la corriente de origen de los musicales primero en los escenarios de Broadway y luego en el cine se invirtiera, dando lugar a una adaptación al teatro musical basada en el largometraje que se estrenó en una gira entre 1978 y 1979 que fue cancelada antes de alcanzar su debut en los escenarios de Broadway, aunque una producción posterior de ese mismo musical se estrenó finalmente en 1982 después de una gira de 18 meses por los Estados Unidos. No tuvo suerte: echó el telón tan solo tres días después de su estreno, quedándose como un espectáculo de mayor éxito en giras y en montajes de aficionados, además de estrenarse y permanecer algunas semanas en la cartelera de los teatros del West End londinense.
En lo referido a la música, inicialmente estaba pensado contar con una banda sonora integrada por temas de la música folk estadounidense, pero tras un periodo de búsqueda de varios meses no encontraron material suficientemente atractivo para figurar en la película, lo que les llevó a componer música original para el filme.
M J P.
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WEST SIDE STORY
1961; EE. UU.; Color; Director: Robert Wise, Jerome Robbins; Guion: Ernest Lehman. Arthur Laurents, Jerome Robbins; Música: Leonard Bernstein; Fotografía: Daniel L. Fapp; Intérpretes: Natalie Wood, Richard Beymer, Russ Tamblyn, Rita Moreno, George Chakiris, Simon Oakland, Ned Glass, William Bramley, Tucker Smith, Tony Mordente; Duración: 153 minutos.
Romeo y Julieta, de William Shakespeare, es el origen de esta célebre propuesta del musical que se cruzaba con la visión de la multiculturalidad en conflicto en las calles de la ciudad de Nueva York. La ciudad había tenido un primer protagonismo destacado en el clásico del género musical Un día en Nueva York, pero aquí retomaba todo el poder evocador de su realidad urbanita en el espectacular arranque del largometraje, con un número de baile resuelto por montaje donde se nos muestra el territorio real en el que se produce el enfrentamiento de las dos bandas de jóvenes en torno a las cuales gira la historia de amor de los protagonistas. Dos bandas herederas de los Capuleto y los Montesco de la obra de Shakespeare. Entre sus miembros brillan sus líderes: Russ Tamblyn, que siendo principalmente un acróbata había conseguido plaza entre los leñadores de Siete novias para siete hermanos sin ser realmente bailarín, y George Chakiris.
Ganadora del Oscar en las categorías de mejor película, actor de reparto (Chakiris), actriz de reparto (Rita Moreno), director, fotografía en color, dirección artística en color, diseño de vestuario, sonido, montaje y música para película musical, obra de Leonard Bernstein y Irwin Kostal, que no obtuvo crédito por este trabajo. El único Oscar a los que estaba nominada que no consiguió fue el de mejor guion adaptado, que ganó Vencedores o vencidos. Además, ganó el Globo de Oro en las categorías de mejor película de comedia o musical, actriz de reparto y actor de reparto, siendo nominada también como mejor director, actor y actor revelación (Beymer, que repitió nominación sin llevarse premio) y actor revelación, en la que nominaron a Chakiris también por partida doble. Costó 6 750 000 dólares, recaudó 44 100 000 dólares.
M J P.
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MY FAIR LADY
1964; EE. UU.; Color; Director: George Cukor; Guion: Alan Jay Lerner; Música: Frederick Loewe; Fotografía: Harry Stradling; Intérpretes: Audrey Hepburn, Rex Harrison, Stanley Holloway, Wilfrid Hyde-White, Jeremy Brett, Gladys Cooper, Theodore Bikel, Mona Washbourne, Isobel Elsom, John Holland, Elizabeth Aimers, Helen Albrecht, John Anderson, Mary Alexander, Walter Bacon; Duración: 170 minutos.
Contando con música de André Previn, el argumento sigue la pista a una florista callejera en la que un profesor de fonética encuentra un reto para animar su ociosa vida burguesa: convertirla en una mujer capaz de presentarse en la alta sociedad como una señorita acomodada y elegante. Naturalmente, la fábula acaba en inevitable romance entre ambos, en una película que se beneficia en la dirección de actores del talento en esa pasercela exhibido siempre por su director, George Cukor.
El largometraje ganó los Oscar correspondientes a mejor película, actor protagonista, director, fotografía en color, dirección artística en color, diseño de vestuario en color, sonido y música para musical, siendo además nominada a la mejor actriz de reparto (Gladys Cooper), guion adaptado y montaje. A su palmarés sumó tres premios David Di Donatello del cine italiano en las categorías de mejor película extranjera, actriz extranjera y actor extranjero, y tres Globos de Oro, mejor película de comedia o musical, director, actor de comedia o musical, siendo además nominada a la mejor actriz de comedia o musical y el mejor actor de reparto (Stanley Holloway). El musical original se presentó en los escenarios con el mismo protagonista de la película, Rex Harrison en el papel del profesor Henry Higgins, y Julie Andrews en el papel de la florista cockney Eliza Doolittle, y el actor quería que esta última le acompañara también en el reparto de la película, esgrimiendo su talento como cantante, pero Andrews tuvo que esperar para conseguir la fama en la pantalla grande dentro del género musical, y por decisión del estudio, que no satisfacía a Harrison, cedió puesto a Audrey Hepburn.
El presupuesto de la película fue de 17 millones de dólares, que multiplicó en la recaudación de taquilla hasta los 72,7 millones de dólares.
M J P.
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SONRISAS Y LAGRIMAS
The Sound of Music
1965; EE. UU.; Color; Director: Robert Wise; Guion: George Hurdalek, Howard Lindsay, Russel Crouse, Ernest Lehman; Música: Richard Rodgers, Oscar Hammerstein II; Fotografía: Ted D. McCord; Intérpretes: Julie Andrews, Christopher Plummer, Eleanor Parker, Richard Haydn; Duración: 172 minutos.
María von Trapp, protagonista real en la que se basaba el personaje de Julie Andrews, no recibió crédito por su libro autobiográfico, que fue punto de partida de las peripecias de una novicia que decide abandonar el convento para ocuparse de educar a los hijos de un oficial de la marina viudo que no deben darle suficiente trabajo como institutriz, ya que se hace un combo enredándose sentimentalmente con el padre de las criaturas, compitiendo en inicial desventaja, pero recortando posiciones rápidamente, con una fémina de clase alta que también pretende al prolífico progenitor. Para animar todo ese enredo emotivo un poco más, entran en escena los nazis, que en su ascenso al poder le complican la vida a la peculiar familia numerosa obligándola a salir por piernas de Austria después de solventar algún que otro problemilla de ideología con las amistades de sus retoños.
Robert Wise volvió a triunfar en los premios Oscar con este largometraje tras West Side Story, consiguiendo premio en las categorías de mejor película, director, sonido, montaje y música, de Irwin Kostal. La película fue nominada también a la mejor actriz, mejor actriz de reparto (Peggy Wood), fotografía en color, dirección artística en color y diseño de vestuario en color. Julie Andrews ganó el premio David Di Donatello del cine italiano como mejor actriz extranjera, siendo nominada en su país natal, Inglaterra, como mejor actriz en los premios Bafta (nadie es profeta en su tierra, ese año premiaron a Julie Christie por Darling, donde su papel de modelo amoral le ganó la partida a la aspirante a monja de Sonrisas y lágrimas). Andrews se resarció ganando el Globo de Oro a la mejor actriz en comedia o musical, mientras la película era galardonada en esos premios como mejor comedia o musical del año, con nominaciones para el director y para Peggy Wood como mejor actriz de reparto.
M J P.
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CABARET
1972; EE. UU.; Color; Director: Bob Fosse; Guion: Joe Masteroff, John Van Drutten, Christopher Isherwood, Jay Presson Allen; Música: John Kander; Fotografía: Geoffrey Unsworth; Intérpretes: Liza Minnelli, Joel Grey, Michael York, Helmut Griem, Marisa Berenson; Duración: 124 minutos.
Parte del musical estrenado en los escenarios en 1966 con música de John Kander y letras de Fred Ebb sobre el libreto de Joe Masterhoff, que se basaba en la obra Soy una cámara, de John Van Drutten, estrenada en 1951, la cual a su vez era una adaptación de la novela Adiós a Berlín, de Christopher Isherwood, publicada en 1939.
De esta colección de fuentes de inspiración/adaptación surge la historia ambientada en Berlín durante la República de Weimar, año 1931, cuando el ascenso del partido nazi empieza a mostrarse como imparable. En ese entorno, una artista de cabaret enamorada de dos hombres es testigo de la deriva hacia el terror que vive Alemania y se ve representada de algún modo en los números musicales que traducen esa realidad sobre la fantasía musical del escenario, articulándose así una especie de relato paralelo.
Bob Fosse encontró el éxito tras el fracaso de su anterior trabajo, Noches en la ciudad, estrenado en 1969 y protagonizado por Shirley MacLaine. Cabaret ganó el Oscar a la mejor actriz, para Liza Minnelli, actor de reparto (Joel Grey, padre de la protagonista de Dirty Dancing), director (Fosse le ganó la partida a Fancis Coppola, nominado por El padrino), fotografía (que reproducía la estética y colores de los documentales de propaganda nazis), dirección artística, sonido, montaje y música adaptada, de Ralph Burns (la música original se la llevó Candilejas, de Charles Chaplin). Además fue nominada en las categorías de mejor película y guion adaptado, que perdió en beneficio de El padrino. Ganó también cuatro premios Bafta: los de mejor actriz, dirección artística, dirección, película, actor revelación (Grey), sonido y fotografía; el David Di Donatello a mejor película y actriz extranjera; y los Globos de Oro a mejor actriz en comedia o musical, mejor actor de reparto (Grey) y mejor película de comedia o musical.
M J P.
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GREASE
1978; EE. UU.; Color; Director: Randal Kleiser; Guion: Jim Jacobs, Warren Casey, Bronte Woodard, Allan Carr; Música: Michael Gibson; Fotografía: Bill Butler; Intérpretes: Olivia Newton-John, John Travolta, Stockard Channing, Jeff Conaway, Barry Pearl, Michael Tucci, Kelly Wad, Didi Conn, Dinah Manoff, Eve Arden, Frankie Avalon, Joan Blondell, Sid Caesar, Alice Shotley, Edd Byrnes, Jamie Donnelly; Duración: 110 minutos.
Nominada al Oscar a la mejor canción original por “Hopelessly Devoted to You”, compuesta por John Farrar, colaborador habitual de Olivia Newton- John, que interpretaba el tema en su función como Sandy, la película se basa en un musical de 1971 de Jim Jacobs y Warren Casey, cuyo título aludía a la subcultura de la juventud de clase trabajadora de la sociedad estadounidense en los años cincuenta, conocidos como greasers. La trama del musical y de la película se sitúa en un instituto en 1959. En la película no quedó mucho de la naturaleza más salvaje que tenía el musical original antes de pasar por el filtrado de acomodación a las claves más clásicas del musical siendo domesticado, pero esa primera naturaleza que lamentablemente ninguno de los distintos montajes posteriores sobre los escenarios parece interesado en recuperar frente a las versiones más comerciales, quedó impreso de algún modo en la versión cinematográfica a través del personaje de Rizzo interpretado por Stockard Channing. Y somos muchos los que seguimos pensando que habría sido más interesante ver la versión desatada de la protagonista interpretada por Olivia Newton-John, intuida en el desenlace tras su transformación. O, dicho de otro modo, que quizá más que nuevos montajes del musical que ya conocemos sería interesante que alguien se atreviera a plantearse una secuela con los personajes de Rizzo y Sandy recuperando la clave original más sarcástica y agresiva de la primera versión del musical, que en su origen se presentó en un club nocturno de Chicago.
Grease fue nominada al Globo de Oro en las categorías de mejor comedia o musical, actor, actriz, y canciones originales, por el tema “Grease”, de Barry Gibb, y el tema “You’re the One that I Want”, de John Farrar.
M J P.
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HAIR
1979; EE. UU., Alemania occidental; Color; Director: Milos Forman; Guion: Gerome Ragni, James Rado, Michael Welles; Fotografía: Richard C. Kratina, Miroslav Ondrícek, Jean Talvin; Intérpretes: John Savage, Treat Williams, Beverly D’Angelo, Annie Golden, Nicholas Ray; Duración: 121 minutos.
Contando con la música de Galt MacDermot, se basa en el musical rock que abordó la contracultura hippie y la revolución sexual de finales de los años sesenta. Por su propia temática era una propuesta de ruptura en los musicales cinematográficos, aún más si tenemos en cuenta que también tenía entre su repertorio temático y musical referencias a la guerra de Vietnam, el pacifismo y el uso de drogas, así como escenas de desnudo que convirtieron esta propuesta en carne de polémica. Todo ello sirvió para inaugurar el cambio de paradigma en las propuestas del teatro musical, redefinido en el género de musical rock, que además apostaba por la integración racial en sus repartos e incluso incorporaba a los espectadores al escenario en su número final. Su carrera sobre los escenarios comenzó en el circuito off Broadway en 1967, saltando un año más tarde a los escenarios de Broadway en Nueva York y el West End en Londres.
El argumento de la película, que hizo muchos cambios sobre el musical original, no solo en el orden de los temas musicales, sino también en el propio argumento, que es diferente, sino en los propios personajes, sigue los pasos de Claude Bukowski, un joven del entorno rural que abandona su Oklahoma natal para integrarse en la Tribu, una comunidad hippie de Nueva York, siguiendo los pasos de una muchacha.
El largometraje ganó los premios David Di Donatello italianos correspondientes al mejor director y mejor música extranjero, siendo nominado al Globo de Oro en las categorías de mejor película de comedia o musical y mejor actor revelación para Treat Williams.
Forman reclutó a más de 20 000 extras para interpretar algunos de los números musicales de la película, incluyendo el carismático “Let the Sun Shine In”.
M J P.
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ALL THAT JAZZ (Empieza el espectáculo)
All That Jazz
1979; EE. UU.; Color; Director: Bob Fosse; Guion: Robert Alan Aurthur, Bob Fosse; Música: Ralph Burns; Giuseppe Rotunno; Intérpretes: Roy Scheider, Jessica Lange, Ann Reinking, Leland Palmer, Cliff Gorman, Ben Vereen, John Lithgow, Sandahl Bergman; Duración: 123 minutos.
Ganadora del Oscar a la mejor dirección artística, diseño de vestuario, montaje y música, de Ralph Burns, fue nominada además en la categoría de mejor película, que perdió en beneficio del folletón sobre el divorcio Kramer contra Kramer, en un año en el que competían en la misma categoría no solo All That Jazz, sino también Apocalypse Now, Norma Rae y Breaking Away, cualquiera de ellas más merecedoras de premio que la finalmente premiada. Otro tanto podría decirse de la categoría de director, en la que Robert Benton se llevó el premio al mejor director frente a, ojo al despropósito, Bob Fosse por All That Jazz, y Francis Coppola por Apocalypse Now. Tampoco parece muy justo que Dustin Hoffman se llevara premio al mejor actor principal sobre el gran trabajo de Roy Scheider. Las otras dos nominaciones fueron a mejor guion original y mejor fotografía, categoría en la que el gran trabajo de Giuseppe Rotunno fue reconocido en los premios Bafta del cine británico junto al montaje de Alan Heim. Roy Scheider fue nominado a mejor actor de comedia o musical en los Globos de Oro, perdiendo frente a Peter Sellers en Bienvenido Mr. Chance.
La película es en todo caso un brillante ejercicio de renovación del musical e incorpora numerosas pinceladas de crítica y autoparodia del mundillo que rodea a los montajes musicales que el propio Bob Fosse saca de sus propias experiencia, convirtiendo al personaje del coreógrafo famoso que interpreta Roy Scheider en una especie de alter ego de sus propias peripecias existenciales, lo que le otorga a toda la película uno de los muchos rasgos fellinianos que luce, acercándose a la obra maestra de Federico Fellini, Ocho y medio, en algunos momentos, con la idea del sueño como revelación, y con una aparición igualmente felliniana de Jessica Lange interpretando a una muerte vestida de novia.
